Por muy lejos de su casa que un servidor vuestro se encuentre, hay tradiciones, modas y modismos que no se pueden olvidar jamás, y por eso hoy celebramos un nuevo Día de Todos Los Santos, Víspera de Difuntos y/o Halloween (à vous le choix, mes amis/es) con una nueva canción de temática terrorífico-festiva.
Pero antes que nada, una anécdota: en Vlijmen, una villa cercana a mi actual casa, se adelantaron con esta festividad, y el pasado 7 de octubre organizaron la "Vlijmense Dorps-Kwis", una "quedada" en la que más de 100 lugareños reunidos en varias comparsas se disfrazaron de fantasmas errantes y, entre otras cosas, se pusieron a bailar colectivamente "La Macarena" de LOS DEL RÍO. Y ahora sí, cruzamos el charco...
...Y pisamos nuevamente tierras mexicanas, un lugar en el que el blog tiene muchos lectores desde siempre, para revindicar lo que viene a ser una figura de culto en la música pop de allí. Pero antes de empezar, hay que agradecer públicamente al colectivo SE RÍEN EN NUESTRA CARA ( y a sus vecinos los DISIDENTES CREW), pues gracias a su perfil de Instagram y sus publicaciones sobre teorías conspirativas sobre políticos y artistas conocí esta bonita canción que hoy os presentamos. Gracias de corazón por inspirarme a seguir escribiendo en este blog.
Es hora de hablar un poquito de Don LUIS "VIVI" HERNÁNDEZ (1941-1977).
Y digo bien diciendo "un poquito" porque a la hora de investigar para escribir este artículo hay realmente pocas fuentes de las que recoger información. Sin embargo, esto no hace a este artista menos atractivo o indigno de ser reseñado. Nacido en Torreón, México, como Luis Leopoldo Hernández Hurtado en 1941, ya se interesó por la música desde muy niño, y con veintipocos años, en el inicio de la Era de Oro del rock'n roll, fundó su primer grupo: Los Crazy Boys.
Naturalmente, dada aquella época, tuvo dos buenos espejos en los que mirarse, imitar y hasta crear un estilo propio de rock cantado en castellano: Elvis Presley y los Beatles. Con toda probabilidad, quizás también recibiera las ondas del alquimista del pop inglés Joe Meek. Dada la popularidad de los Crazy Boys (llamado también "El Grupo de Los Luises"), "Vivi" y los suyos aprovecharon la cresta de la ola para dejar testimonio de su música en el cine patrio, gracias a la comedia musical "A Ritmo De Twist". Con el tiempo, Luis también echó miradas a España y al rock primigenio que andábamos creando en paralelo durante la misma década de los 1960, y si bien no desembarcó comercialmente en "La Madre Patria" como sí haría Palito Ortega a través de las voces de Rocío Dúrcal y Marisol, tuvo a bien versionar alguna que otra canción de Los Brincos de Fernando Arbex y Juan Pardo.
Con el paso del tiempo y amansada aquella ola del rocanrol mexicano, el artista supo mantenerse activo durante varios años más, ya como cantante en solitario e incursionando también en la música humorística y ligera. Meses antes de que un paro cardíaco acabara con su vida antes de llegar a los 40 años de edad, Vivi Hernández se plantó en el antiguo Festival de la OTI de 1977 para representar a México. Su canción "Sencillamente Nunca", defendida con una voz grave y poderosa y apoyada por arreglos con bien de violines y trompetas, se plantó en el segundo puesto de de ese certamen.
A esta última época pertenece su disco "El Monstruo", lanzado en 1974, y cuya homónima canción de cabecera se convirtió en un single de culto. Tanto así que fue rebautizada popularmente como "Qué Monstruos Son".
No sería hasta los años 90 cuando varias bandas dedicadas al revival del rock primigenio y el surf-rock desenterraron (de buen rollo) al Chico Loco del Rocanrol. De este modo, los mexicanos, Lost Acapulco y los norteamericanos Los Straight Jackets incorporaron esta tonadilla de "Jalogüin" en Sol mayor a sus repertorios (Por cierto, no os perdáis la versión de los citados Jackets, cantada y recitada por la voz cavernosa de Peter Zaremba).
La versión de Lost Acapulco es la que encontráis en el link hacia los acordes y, como veis, incluye incisos de frases "decorativas" para decir espontáneamente durante los estribillos impostando la voz como uno quiera o pueda. Y una fe de erratas: en la segunda estrofa, el conde Drácula no "violaba", sino que "volaba", mientras que en la estrofa del gatito, el verso correcto es "Ladrando el pobrecito" (no "Nadando" ídem).
Y por si acaso, dos aclaraciones más sobre el vocabulario de la canción: UNO, la "cajeta" es la versión mexicana del dulce de leche argentino; y DOS, el "pipián" es una salsa típica de tomate muy picante genuinamente mexicana.
Si acaso has llegado a esta página buscando ítems culturales en Google como pueden ser la película homónima del realizador turco-americano Elia Kazan (1909-2003), la una célebre canción de Nino Bravo (1944-1973) o , por decir más, la cancioncilla que aparecía en la serie española de dibujos "La Vuelta Al Mundo de Willy Fog", estás de enhorabuena: aquí no encontrarás nada de esto, pero sí dos canciones de una de las bandas más chulas y entrañables del pop-rock anglosajón de los 70, y de ahí que hayamos duplicado el título en este post. Para ir cerrando el mes de mayo, nos marcamos un viaje en pickup con un toque de magia de la mano de los británico-americanos AMERICA.
Los "espadachines" Dewey Bunnell, Gerry Beckley y Dan Peek (de izquierda a derecha en la foto) se conocieron en el London Central High School de Londres. Los dos primeros nacieron en los estados de Florida y Texas pero residían en Inglaterra desde niños, ya que los padres de ambos eran militares estadounidenses destinados al país de la Reina Madre. El padre de Dewey también era militar, aunque él sí nació en Harrogate, Yorkshire.
Influenciados por la música del trío de folk Crosby, Stills & Nash y la música country que les gustaba oír en las gramolas de los pubs ingleses, decidieron formar la banda America nada más graduarse del instituto. Entraron al negocio musical a través de Iam Samwell , por entonces productor y letrista de la primera etapa del música pop Cliff Richards, y Jeff Dexter , locutor de radio responsable de introducir ritmos americanos como el twist en las emisoras inglesas, que se convirtió en el primer mánager del grupo.
A lo largo de su trayectoria, America fueron electrificando paulatinamente su sonido folk original disco tras disco. Esta evolución se dio especialmente a partir de 1974, cuando el trío aunó fuerzas con George Martin (productor estrella de los Beatles). Con este movimiento estratégico, el grupo mantuvo buena salud tanto en las listas de éxitos como en las de ventas: Sus LP's "America" y "Homecoming" alcanzaron la certificación de Oro en EEUU, mientras que su primera recopilación oficial "History" de 1975 llegó al Platino.
Dos años después, Dan Peek decidió dejar la banda, consciente de que necesitaba desintoxicarse de su consumo de drogas. En 1977, optó por un retiro espiritual y sólo al año siguiente decidió retomar la música con su primer disco en solitario "All Things Are Possible". Desde entonces y hasta la muerte del músico en 2011, rara fue la vez que no circulaban los rumores de un regreso de Dan con los America cada vez que éstos fueron publicando sus siguientes discos, pero aún más cada vez que los America salían de gira, una actividad en la que aún en nuestros días, siguien gozando de buena salud: ahora mismo en su web oficial figuran las fechas de más de treinta conciertos a vista en diversas localidades de los tercios Este y Medio Oeste de Estados Unidos.
"VENTURA HIGHWAY"
Al poco de publicarse su disco de debut, los America iban a piñón fijo completando y retocando canciones que habían quedado inacabadas y que formarían parte de su siguiente trabajo de 1972 "Homecoming". A la hora de escribir esta canción, Dewey se inspiró en un viaje familiar por la soleada California en la que tuvieron un pinchazo, y los niños se quedaban mirando la línea del mar mientras el padre reparaba el neumático. La letra muestra un juego de opuestos: por un lado, la sensación de libertad que ofrecía el contemplar el mar de la Costa Oeste americana y la posibilidad de ir "a la ventura", descubrir gentes y lugares nuevos en mitad de un y salir de una zona cómoda para experimentar unos lugares que ya eran símbolos de libertad personal frente a los ambientes más opresores de las áreas rurales del centro del país. eso fue algo especialmente atractivo entre muchos chicos y chicas americanos de los 50 y 60 que nunca antes habían visto el mar); por otro lado, está el recelo a dar ese paso y la posterior renuncia a causa de una mala experiencia o de haber tenido la corazonada de que tratar de emanciparse en un lugar extraño como aquel no saldría del todo bien.
Os confieso que no ha sido éste el motivo por el que escogí esta canción para el artículo. En realidad, un servidor conoció esta canción en 2002. Treinta años después, Janet Jackson utilizó el riff de guitarras acústicas de esta pieza más un "replay" de una famosa melodía de Eric Satie (1866-1925) para crear la canción "Someone To Call My Lover", un exitoso single de su disco "All For You". Tanto la original de America como el reciclado que le hizo la herma peque de Michael Jackson llegaron al Top 10 del Billboard de singles en EEUU y están en la tonalidad de Re mayor. De nada.
Y cómo no, ésta otra no puede faltar en un blog como este que adora el pop. Me pongo "Gallina de Piel" cada vez que la escucho. Es, con toda seguridad, la más representativa de la etapa de esta banda con la Capitol Records durante los años 80. En concreto, este single sirvió para promover el LP "View From The Ground", publicado en julio de 1982. Para entonces, los America ya andaban metidos en terrenos más soft-rock y AOR. Entre los productores y el staff con los que el dúo (ya sin Dan Peek) enriqueció su sonido y lo adaptó a nuevas corrientes comerciales, hallamos a Russ Ballard (compositor de la pieza) y Bobby Colomby, antiguo baterista de Blood Sweat & Tears.
La combinación de toques pop-soul con los cueros, el centelleo invertido de un plato de batería en el estribillo y las reconocibles armonías vocales "made in America" hacen de este tema algo precioso que se portó muy bien en las lista de éxitos: "Magic" alcanzó el nº 8 en el Billboard de singles de EEUU en Octubre del citado año y se convirtió en la canción de la banda con mayor número de semanas de permanencia en dicho conteo (20 semanas). Por añadidura, alcanzó el Top 40 en varios países más, incluyendo el de referencia en las Españas.
PD: En otro orden de cosas, ya tengo 400 seguidores en mi Instagram. A ojos de cualquier youtuber o gente que vive de las RSS no es una gran cifra, pero es MI logro y estoy orgulloso de ello; ningun@ de vosotr@s es un follower por el que yo haya pagado dinero, y eso os convierte en seguidores auténticos por definición. Esto es, gente que me quiere y me aprecia por lo que hago, digo, pienso y siento .
A nuestro particular modo y manera, nos sumamos al recordatorio del asesinato hoy hace 40 años del que está considerado el Beatle más inquieto y activista tras la separación del mítico cuarteto de pop inglés. Un hombre salido de la nada, muchos creen que mentalmente preparado a propósito por algún gobierno mediante lavado de cerebro MK-Ultra Delta (antiguo programa de control mental de la CIA para formar secretamente a asesinos a sueldo) , acabó con la vida del músico. Pocas horas antes, por casualidad (o quién sabe si no) otro disparo, el de la fotógrafa Annie Leibovitz, lo inmortalizó por enésima y última vez en la prensa, desnudo y acurrucado en la cama junto a Yoko Ono. Las Manos Negras acabaron con John, pero él dejó mucha música interesante y una semilla que germinaría en no pocos artistas años después. Hoy en el blog, el recuerdo de JOHN LENNON visto desde algo de música cantada en castellano.
LAS GAFAS DE LENNON
Cuando días atrás recababa información sobre Paloma San Basilio, uno de sus muchos LP's que escuché por encima fue "Al Este del Edén", y hacia el final del tracklist de esa grabación se incluía esta pieza que, aunque no se promoviera como single, fue cantada con mucho gusto y un punto de dramatismo que sólamente una cantactriz como Paloma le puede conferir. Meses después, ya en 1995, un joven canario de gafas enormes, pelo rizado y voz melosa presentó su primer disco llamado "Golosinas". Su nombre era Pedro Guerra, y entre los títulos de su disco de debut encontramos la misma pieza, ya en voz algo más plana pero no menos conmovedora, de su legítimo dueño.
La canción fue originalmente compuesta en Re mayor (la tonalidad que os ofrecemos), mientras que la artista madrileña la grabó más arriba, en La bemol mayor. También existe una versión más fácil (Do Mayor) que el propio Guerra regrabó hace dos años junto a Rozalén. Quizás os dé la misma sensación que si escucháis la voz de Lennon cuando cantaba "The Dream Is Over", aunque siempre deja un poso de idealismo necesario para hacerte pensar que el mundo que imaginó el músico, con campañas como la de "War Is Over" de hace casi 50 Navidades, sigue siendo posible.
Para quienes no lo sepáis, Pedro Guerra también promovió en los 90 otra de sus canciones en las voces de dos de las parejas más sólidas en lo artístico y personal de nuestro mapa de sonidos:tambien antes de empezar su propia carrera discográfica dio a cantar al dúo gallego Cómplices la balada "El Marido De La Peluquera", que se estrenó como inédita del repertorio de su disco en directo "Cómplices Básico" (una pieza que también ha sido grabada hace poco por la ex-triunfita Ana Guerra). Pero la que se llevó la palma fue "Contamíname", convertida en un anthem por Víctor Manuel y Ana Belén, igualmente promovida como single inédito y gracias a la cual el matrimonio dúo astur-madrileño consiguió un hito en ventas que hoy sería impensable: despachar 500.000 copias de un doble disco en directo.
También en ese mismo año, Ana y Víctor habían citado tímidamente la figura de Lennon (y el resto de los Beatles) en la canción "Yo también nací en el 53", otra pieza que desde entonces nunca falta en el repertorio en vivo de la actriz y cantante. Poco después, en 1996, la veríamos en pantalla encarnando a una ex- "groupie" del autor de "Imagine" en la comedia "El Amor Perjudica Seriamente La Salud" de Manuel Gómez-Pereira. Pero no fue hasta 2007 que un viejo amigo suyo, ya bastante "encanallado", le propuso una pieza de lo más rompedora: en poco más de tres minutos, la voz poética se hace con la boca del asesino confeso de John Lennon y haciendo juegos de palabras que mezclan lo macabro y la ironía, "desendiosa" al mito y deja entrever o insinúa cómo los Beatles no estaban del todo bien avenidos, o algo peor: que hasta los propios ex-miembros de la banda de Liverpool le hubieran querido mandar al carajo a John en modo extremo. Al menos eso es lo que da a pensar la voz de David Chapman cuando insiste en ¡"Qué buenas migas hubiéramos hecho...!" cada uno de los que quedaron y él.
¿Que quién se inventó este jueguecito retorcido a la par que simpático? Sólo la pluma de Joaquín Sabina lo sabe...¿Y dónde podéis encontrar la canción? Fácil: cerrando originalmente el LP "Anatomía", donde el genio de Úbeda coló para la "Pili Cuesta de su corazón" otras dos letras más.
PD. Os comento que algunos de los artistas del disco "Revolucionem la Música" del que hablé en el post anterior ya han enviado su guest writing, pero recordad que para poder verlo tenemos que llegar a
Siendo hoy jueves un día ya tradicional de "Throwback Thursday", nos marcamos un tema que nos haga evocar a personas que hayan formado parte de nuestro pasado y nos hayan hecho felices. Con la canción que traigo, a primerísima escucha identifiqué una muy clara influencia de una banda de rock legendaria que ya ha sido reseñada dos veces en este blog, y sólo por eso ya vale la pena realizar este otro descubrimiento. Es un placer presentaros a la cantautora ERIN MORAN, más conocida por su nombre de grupo A GIRL CALLED EDDY.
Por si acaso, no hay que confundirla con la desaparecida actriz californiana de TV del mismo nombre, fallecida en 2017. Nuestra Erin nació en el estado de Nueva Jersey. Como artista, su trayectoria ha sido de lo más discreta, casi desconocida. Tras un primer contacto con la música electrónica en una banda efímera llamada Leomoon, no fue hasta 2001 que una canción suya se coló en un recopilación en CD exclusiva para los compradores del nuevo modelo de Altima, por entonces el último grito en la gama familiar de la marca Nissan. Poco después, Erin se mudó a Reino Unido y desde allí que empezó su carrera en serio.
A pasos lentos pero seguros, su primer gran contacto con el mundo del indie-pop fue el líder de los PulpRichard Hawley. Él produciría su primer disco completo de la marca A Girl Called Eddy en 2004. Tras esa puesta de largo baladística y temas como "Somebody Hurt You", "Tears All Over Town" o "People Used To Dream", hubo que esperar cuatro años más para saber de una nueva grabación de la cantante: esta vez se trató de un cover de la canción "Julia" de los Beatles, que formó parte dentro de un CD de tributo al Álbum Blanco del cuarteto de Liverpool, vendido en exclusiva para los lectores de la revista Mojo.
Un nuevo periodo, ahora de casi 10 años, transcurriría hasta que la artista no publicó un nuevo trabajo del que, por otro lado, se había empezado a hablar unos cuatro años antes. Hasta 2018 no vio la luz el disco "The Last Detail", compuesto, interpretado y producido junto a Mehdi Zannad. Respecto al disco anterior, los arreglos se avivaron un poco, las bases rítmicas suenan más claras y los minutajes de las canciones se acortaron. De entre el tracklist os destacamos "Take My Hand", "Fun Fair" o "Places", con un videoclip muy chulo dirigido por el argentino Santi Capuz (quien más tarde dirigiría videos para Nevver, Soleá Morente o la ex- triunfita de reciente cuño Alba Reche). Esta evolución no pasó inadvertida en otros países europeos, incluído España, donde Elefant Records llegó a un acuerdo para licenciar en nuestro país éste y los futuros trabajos de la cantante.
Con un público más ampliado gracias a este paso crucial, la carrera de la Moran ha tomado velocidad en el último año, y desde el pasadop invierno es una realidad su álbum "Been Around", donde la vemos tomar de nuevo el mando en solitario. Su vertiente baladística de marca propia se ve enriquecida con números más animados como "Someone's Gonna Break Your Heart" o "Two Hearts" y una instrumentación donde se pone toda la carne en el asador.
Y como ejemplo de lo que acabo de decir, aquí tenéis a "Jody", donde el espíritu de los magníficos Steely Dancampa feliz y alegre en los "horn charts" (arreglos para pitos), así como en los coros de acompañamiento. Y eso se nota también en la armonía: vemos que las estrofas y el pre-chorus se construyen con los acordes de los grados IV y III de Mi bemol mayor, pero para llegar al estribillo, el sol menor se convierte en Sol 7 y, aprovechando la función tonal de dominante, resuelve en el grado IV de Re bemol mayor, cuyo paisaje por grados es IV-I- II y voilà! El acorde de ese grado (Ebmaj7) coincide con la tonalidad principal. En el puente instrumental, la modulación nos devolverá a la tonalidad de la estrofa mediante "peldaños" cromáticos (Do y Re menores).
Sin duda un vestido muy bonito con una letra de sabor agridulce sobre amistades que nos marcan la vida y de las que luego no volvemos a saber nada más se haga más agradable...Y a fe que muchos de los que leeis el blog tenéis o habéis tenido por lo menos un colega como el protagonista de la canción.
¡Brindemos para no olvidarles jamás! Y por si acaso...Feliz Día de Acción de Gracias.
Arrancamos nueva semana con música clásica de calidad. No temáis, no es que me haya dado por Beethoven o Mozart (aún no, jeje); me refiero a pop-rock clásico con mayúsculas y con solera. Hoy toca una lección doble que he decidido confeccionar gracias a las aportaciones de amigos en mis redes sociales. Al preguntar por la formación de la que hablaremos, la respuesta ha sido algo menos tímida que en el caso de DEF CON DOS (ver post anterior), lo cual se agradece. Esta vez, mi aprecio a la hora de inspirarme a escribir va para cuatro personas: Alana Cavalcanti, Ewing Jesús, Jaume Arboledas y Jaume Fibla. Ahora sí, vamos a por el ALAN PARSONS PROJECT.
Hablar del dúo formado por el londinense Alan Parsons (n.1948) y el escocés de Glasgow Eric Woolfson (1945-2009) es hablar de unos géneros como el rock sinfónico o rock progresivo y una década que se caracterizó por producciones de gran inversión traducidas en profusión de arreglos e instrumentos y piezas complejas que muchas veces eran instrumentales y presentaban desarrollos largos de gran minutaje. Y todo ello envuelto en portadas dignas de ser expuestas en museos de arte contemporáneo. En un espacio relativamente corto de tiempo de los años 70, el mapa discográfico del Reino Unido vio nacer y crecer bandas de gran virtuosismo compositivo como Camel, Styx o Supertramp. Otros países como Alemania, con los Passport de Klaus Doldinger , o EspañayCataluña con Smash, Triana, Dolores, Fusioon, Why o Elèctrica Dharma respectivamente, supieron dar a su modo y manera la réplica a esta tendencia (los últimos con medios bastante más modestos).
Tanto Eric como Alan provenían de grandes gestas musicales por separado: el primero, la parte más letrista, había firmado letras para artistas como Marianne Faithfull y Carl Douglas (de su mano nació la discotequera "Kung Fu Fighting") ; también tuvo tratos con Led Zeppelin, 10 CC y otras dos figuras clave que ayudarían a modelar el toque orquestal de la formación que vendría después: el rey de los musicales modernos Sir Andrew Lloyd Weber y el arreglista Andrew Powell. El segundo, por su lado, adquirió relevancia en los entornos más técnicos de la música: a finales de los 60 se vió colocado como ingeniero de sonido para los dos últimos discos de estudio los Beatles y, ya en la década siguiente, modelando la sonoridad de uno de los discos must-have del rock: "Dark Side Of the Moon" de Pink Floyd. Esa obra lo catapultó como músico de estudio total, pues inventó el concepto de la grabación y mezcla "cuadrafónicas", un avance tecnológico equiparable al SenSurround (sistema de sonido envolvente de las salas de cine de la época).
Hay una cierta paradoja en este tipo de formaciones que es la de tener unas producción pluscuamperfecta pero poco adecuada para que la escuchen los grandes públicos que compran música: aparte del minutaje ya citado, había una descompensación entre la inversión económica en horas de grabación y mezcla y la promoción misma de los discos. Los resultados comerciales, en el caso Alan Parsons' Project un ejemplo de lo que ocurría de paso con otras formaciones: si no puedes trasladar al directo la misma infraestructura que tienes en el estudio, no importa lo grande que sea el sello que tienes detrás, pues la repercusión será menor. Hay que considerar que el propio Alan Parsons hizo del estudio su zona de confort y no fue hasta que el dúo se separó en 1990 que empezó a pensar en salir a tocar en vivo con grupo propio, una idea que aún dejaría madurar unos cuantos años más hasta ya entrado este siglo. No hace mucho, por ejemplo, sólo unos pocos fans españoles suertudos pudieron ver cumplido ese sueñoen dos conciertos en Jerez De La Frontera y Barcelona en el verano de 2019. El músico planeaba regresar a las Españas con una fecha única programada para junio de 2020, que naturalmente fue cancelada a causa de la pandemia.
En general, las certificaciones de oro y platino de la mayoría de sus discos, sobre todo en EEUU, estaban contrapesadas con permanencias muy breves en las listas.
Contando todos sus álbumes, la permanencia en listas inglesas fue de los 7 días de "Eve" (1979) a las ocho semanas de "I Robot" (1976) y "Ammonia Avenue" (1984) - estos dos fueron los discos que llegaron más alto en los charts de su país, pero siempre por debajo del Top 20; en Estados Unidos no fue hasta los años 80 que empezaron a elevarse tanto las ventas reales como sus posiciones en el Billboard General y Rock, con piezas como "Eye In The Sky ", "Stereotomy", "You Don't Believe", "Standing on Higher Ground" o "Let's Talk About Me", todas ellas publicadas con videoclips bastante vistosos. A pesar de sus cifras comerciales que superan los 50 millones de ejemplares, en ninguna de las dos orillas alcanzaron siquiera un sólo hit Número Uno.
En lo puramente musical, un elemento común es la alternancia de piezas instrumentales grandiosas (p. eje, "Mammagamma", "Lucifer") con números vocales de pop-rock que pisan fuerte ("I Wouldn't Wanna Be Like You", "Damned If I Do") y baladones como "If I Could Change Your Mind", "Time" o "Out Of The Blue". Apariciones estelares como Clare Tory, Lesley Duncan, John Miles o Tony Hadley (exacto, el cantante de Spandau Ballet)dan pistas de cómo el dúo de compositores se adelantó a su paisano Mike Oldfield en esto de usar cantantes para perseguir un éxito.
Además, se podría decir que Alan Parsons' Project es la banda que mejor desarrolló la idea de "Álbum Conceptual" en el que un conjunto de canciones están ligadas por música o por letras a una temática, aunque luego funcionaran por separado por lo puramente comercial. Así, en 1976, los "Cuentos de Misterio e Imaginación" de Edgar Allan Poe (1809-1849) colocaronal dúo en los oídos de medio mundo igual que hace ya dos años la novela medieval anónima "Flamenca" inspiró el superventas "El Mal Querer" de Rosalía. En este punto, ignoramos qué otra gran celebridad moverá a la cantante catalana en sus próximas composiciones, pero por si acaso, Isaac Asimov (1920-1992), Antoni Gaudí (1852-1926) y Sigmund Freud (1856-1939) ya fueron trillados por Parsons y Woolfson en los discos "I, Robot" (1977), "Gaudí" (1987) y "Freudiana" (disco de 1990 de Eric en solitario) respectivamente.
DON'T ANSWER ME
Durante mi particular "estudio de mercado" para adivinar cuan presente teníais o no el lagado musical de Parsons y Woolfson, hubo un tema que fue citado hasta dos veces en las respuestas. Se trata de "Don't Answer Me", una pieza originalmente ubicada del disco "Ammonia Avenue" de 1984. A nivel de letra, la canción vendría a remachar una idea que ya desarrollada en su hit anterior "Eye in The Sky": una pareja está por romperse, no importa el motivo, una parte lo sabe todo lo que la otra ha hecho o dejado de hacer, así que da el paso y ya no hay vuelta atrás ni posibilidad de retomar la relación en un futuro: tú en tu "isla", y yo en mi lugar. En la forma, una tonalidad más cómoda imposible (Do mayor) y sabor sesentero à la Phil Spector (con castañuelas incluídas en los compases del estribillo y un solo de saxo sencillo y efectivo a cargo de Mel Collins).
Para los fans del cómic, la animación del videoclip fue cosa de Michael Wm Kaluta con guión y dirección de D.J. Webster. Ah, y fue el primero de muchos videoclips que estuvo nominado en los VMA...¿O acaso creíais que eso fue un invento para los "Millennials". No, chatos, no...
Para completar nuestro viaje por la música de Alan Parsons' Project, ponemos la vista ahora en otra pieza aún más cañera en Si menor. Antes, os comento que la descubrí gracias a una casette que un primo le había grabado a uno de mis hermanos mayores cuando yo era muy niño. Sin saberlo, aquella cinta de 90 minutos estaban los discos "Eve" (ver más arriba) y el que fue el siguiente disco de la banda: "The Turn Of A Friendly Card" de 1980. El cantante indo-británico Lenny Zakatek era entonces uno de los vocalistas habituales en las sesiones de Alan y Eric.
La introducción es puro techno, pero el germen de la canción es puro AOR callejero en la onda de los norteamericanos Foreigner de primera etapa. Con ese estilo, la canción captó el gusto americano de entonces y se encaramó hasta el número 16 del Billboard de singles de Rock, Aún así, más de veinte años después, no pocos han sabido modelar a su antojo este hit para sus propios experimentos de club: Kikko Palumbo y Kenneth Rossetti alias KK, Yung Berg, Marc Bianco, Michael Meyer, Harry "Coo Choo" Romero o Dari Mc dan fe de ello.
